영원한가 永遠限歌 The Songs by String Instruments

조해리는 동양화를 전공했으며, 전통 매체인 한지 위에 수묵채색을 사용해 작업해 왔다. 작가의 평면은 구체적인 대상을 이것과 저것으로 구별하거나, 사물들이 서로 뒤섞이는 구성에서 출발한다. 이러한 장면은 처음에는 사실적으로 보이지만, 이내 작가의 사유에서 비롯된 추상의 영역으로 넘어간다. 시각적 형상을 지니면서도 그것에 머무르지 않고, 공감각적인 감각이 평면 위의 확장된 공간으로 이어지도록 하는 데 회화는 중점을 둔다. 작가의 기억은 인물과 자연의 형태 속에서 조용한 분위기를 만들며 소리를 연상시킨다. 유년시절부터 익혀온 해금의 감각이 일상과 만나 형상화된 결과로써, 보이지 않는 감각의 영역 안에서 평면은 하나의 장으로 집결된다. 중요한 것은 사실을 전달하는 것이 아니라, 그 사실이 머물렀던 시간을 표현하는 것이다. 작가는 그러한 시간을 평면 위에 분위기로 연결 짓는다. 소리로 머물렀던 공간을 평면에 나타내기 위해 작가는 정간보 (井間譜)를 활용한다. 전통의 성격 안에서 정간 한 칸 ‘井’이 지니는 길이와 박의 감각을 시각적으로 옮기려는 시도는, 자신의 일상 속에 정간처럼 축적되고 기록되어 온 소리는 체화를 바탕으로 한다. 그렇게 축적된 소리는 자유로운 형태로 화면 안에 등장하며, 점차 추상화된 경향 속에서 질서로서의 체계를 넘어, 자연의 흐름 안에서 또 다른 공간으로 확장된다. 그림에 등장하는 축적된 정간은 색의 밀도 속에서 오방색과 어우러지며 하나의 풍경처럼 펼쳐진다. 수묵의 층위는 시간의 흐름과 공간의 깊이를 동시에 은유하며, 고정된 실체를 드러내기보다 생성과 소멸의 과정을 은유한다. 유기적으로 얽힌 점과 선은 하나로 이어지며 나아가는 동양화의 일획(一劃)처럼, 추상의 영역 안에서 다양한 성격으로 표현된다. 여기서 형상은 사물을 분리된 대상으로 보여주기보다, 기운(氣韻)의 관계 속에서 서로 어울리고 스며드는 존재로 표현된다. 형태는 단단히 고정된 실체라기보다, 보이지 않는 움직임이 잠시 머물다 사라지는 흔적에 가깝다. 작가는 그림을 그려가는 과정 속에서 그러한 흔적을 발견한다. 세상을 바라보는 관찰자로서 그러한 흔적을 확인하듯, 화면 위에 남겨진 흔적은 자연의 흐름과 어울린다. 작가가 처음 정간을 대하는 태도는 엄격하고 절제된 것이었다. 전통의 형식과 질서를 존중하며, 하나의 음률 안에서 호흡을 맞추듯 진행되는 방식은 마치 정해진 장단 속에서 미세한 변주를 쌓아 가는 음악의 과정과도 닮아 있다. 그러나 그 엄격함은 형식을 고정하기 위한 태도가 아니라, 흐름을 놓치지 않기 위한 집중에 가깝다. 반복되는 정간의 구조 속에서 작가는 미묘하게 달라지는 리듬과 간격, 그리고 그 사이에 스며드는 감각을 따라가며 화면을 구성한다. 그렇게 쌓여가는 흔적들은 자연의 결처럼 유기적으로 이어지며, 형식은 점차 규율을 넘어 하나의 호흡, 하나의 흐름으로 만들어진다. 결국 작가의 작업은 전통을 따르는 데서 멈추지 않고, 그 질서 안에서 살아 움직이는 감각을 길어 올리는 데 이른다. 엄격한 태도에서 출발한 정간은 시간이 흐르며 자연의 리듬과 맞닿고, 화면 위에 남은 흔적들은 소리처럼 번져 나가 하나의 풍경이 된다. 그 풍경 속에서 변하지 않는 것은 형상이 아니라, 끊임없이 생성되고 사라지면서도 이어지는 기운의 흐름이며, 바로 그 지점에서 작가는 예술이 지속되는 속성을 확인한다. CHO Hae Ree majored in East Asian painting and has long worked with ink and color on hanji, the traditional Korean paper. Her pictorial plane begins with scenes in which concrete objects are distinguished from one another or intermingle within a shared composition. At first these scenes may appear realistic, yet they soon shift into a realm of abstraction that emerges from the artist’s own reflection. While retaining visual forms, the painting does not remain confined to them; instead, it emphasizes expanding synesthetic sensations into an extended spatial field across the surface. The artist’s memories create a quiet atmosphere within the forms of figures and nature, evoking the resonance of sound. As a result of the sensibility she cultivated through learning the haegeum from childhood and encountering it within everyday life, the pictorial plane gathers into a single field within the invisible domain of sensation. What matters is not the transmission of factual events, but the expression of the time in which those events once lingered. The artist connects that time to the painting as an atmosphere unfolding across the surface. In order to translate a space once inhabited by sound into a visual plane, the artist employs Jeongganbo (井間譜), a traditional system of Korean musical notation. Within the framework of tradition, each square unit—jeonggan, represented by the character “井”—contains a sense of duration and rhythmic beat. The artist’s attempt to translate this temporal structure visually is grounded in the internalized accumulation of sounds that have been recorded in her daily life like the units of Jeongganbo. These accumulated sounds appear within the painting in free forms and gradually expand toward abstraction, moving beyond a fixed system of order into another spatial dimension aligned with the flow of nature. The accumulated jeonggan that appear in the paintings unfold like a landscape within the density of color, harmonizing with the traditional five directional colors (obangsaek). The layered strata of ink simultaneously evoke the passage of time and the depth of space. Rather than revealing a fixed substance, the work suggests processes of emergence and disappearance. Dots and lines interwoven organically connect and move forward like the single stroke (il-hwek, 一劃) of East Asian painting. Within the realm of abstraction they manifest in diverse characters. Here, forms do not present objects as isolated entities but as presences that mingle and resonate within relationships of qi and rhythm (giun, 氣韻). Form is not a solid and fixed substance but resembles traces where invisible movements briefly dwell before fading away. The artist discovers these traces through the act of painting itself. As an observer of the world who recognizes such traces, the marks left on the surface align with the natural flow of things. The artist’s initial approach to jeonggan was strict and restrained. Respecting the formal order of tradition, the process of aligning breath within a single melodic structure resembles the musical practice of accumulating subtle variations within a fixed rhythmic cycle. Yet this strictness is not meant to fix form but reflects a concentration necessary to remain attentive to the flow. Within the repeated structure of jeonggan, the artist composes the surface by following subtly shifting rhythms, intervals, and sensations that seep between them. The traces that accumulate in this way connect organically like the grain of nature, and the form gradually transcends regulation to become a single breath, a single flow. Ultimately, the artist’s work does not stop at following tradition; it seeks to draw forth the living sensibility that moves within its order. The jeonggan that began with a rigorous attitude gradually meet the rhythm of nature over time, and the traces left on the surface spread like sound to become a landscape. Within that landscape, what remains constant is not a fixed form but the continuous flow of energy that repeatedly emerges and disappears. It is precisely at this point that the artist confirms the enduring nature of art.

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